El huracán Patricia en México ya es considerado como uno de los peores huracanes de la historia, aún así, se espera que el daño no sea tan severo para la población.

Desde la noche del sábado 17 de Octubre, una lluvia ligera pasaba inadvertida en la capital de Chiapas, al sur de la República Mexicana. Para el domingo 18, el clima en Tuxtla Gutiérrez había cambiado drásticamente de temperaturas arriba de los 30 °C e intenso calor, a temperaturas por debajo de los 25 °C y lluvia constante todo el día.

Ese mismo día, el Servicio Meteorológico Nacional (SMN) informaba acerca de una zona de inestabilidad asociada a la onda tropical número 44 que provocaría nublados densos y lluvias intensas para Chiapas, Oaxaca y Tabasco.

De ser catalogado como tormenta tropical en un inicio, Patricia paso a ser huracán categoría 1 en menos de dos horas. Para el día jueves, Patricia alcanzó la categoría 4 en la escala de Saffir-Simpson donde 5 es el valor máximo.

De existir una categoría 6 en la escala de Saffir-Simpson, Patricia podría considerarse como categoría 7.
Actualmente Patricia es considerado huracán de categoría 5, provocando lluvias torrenciales, tormentas eléctricas y rachas de viento de hasta 315 km/hr catalogándolo como un huracán extremadamente peligroso. Los expertos aseguran que de existir una categoría 6 en la escala de Saffir-Simpson, Patricia podría considerarse como categoría 7.

Imagen de CONAGUA

En los Estados del sureste Mexicano, Patricia ha provocado el desbordamiento de numerosos ríos, entre los que destacan los ríos Texcuyuapan, Tipillo y Coatancito en Tapachula, Chiapas; el río Coatzacoalcos en Minatitlán, Veracruz; y el río Usumacinta en Villahermosa, Tabasco. Lo que a su vez ha provocado que cientos de personas queden incomunicadas debido a las inundaciones, deslizamientos de lodo, afectaciones en caminos y tramos carreteros e incontables afectaciones a sus viviendas.

El huracán Patricia avanza hacia el norte del país y se prevé que la tarde de este viernes toque tierra en el Estado de Jalisco con rachas de hasta 400 km/hr provocando trombas marinas, torbellinos y tornados. Además se presentará un aumento en el nivel del mar de hasta 5 metros y el oleaje en las costas puede alcanzar los 12 metros de altura.

Para dar cuenta del efecto devastador que Patricia puede tener, tan sólo hay que recordar los más de 1800 muertos que en el año de 2005 dejó el huracán Katrina de categoría 3.

Patricia ya es considerado como el huracán más potente jamás registrado en el Pacífico Mexicano. Su fuerza y magnitud han sido favorecidas por el fenómeno de El Niño que se encuentra afectando México desde el mes de Agosto pasado y por el calentamiento global que va en aumento año con año. Con ello, la Organización Mundial Meteorológica de Naciones Unidas ha llegado a compararlo con el tifón Haiyan que dejó más de 7300 muertos en Filipinas. La mayor preocupación es la rapidez de su desarrollo e intensidad, que no se compara con ningún otro, desde la implementación de la meteorología moderna.

Imagen de Protección Civil SEGOB

Las acciones puntuales en las costas de Nayarit, Jalisco, Colima, Michoacán y Guerrero incluyen la suspensión de las actividades marítimas, turísticas, recreativas y comerciales. En el ámbito económico la afectación también es severa, pues hay que considerar que el puerto de Manzanillo en Colima, es el puerto comercial más importante del país. Algunos aeropuertos también han suspendido los vuelos, por lo que se aconseja a los turistas acudir a las embajadas correspondientes.

Una vez disipado el huracán, la humedad de la tormenta llegará hasta Texas, sintiendo sus efectos desde San Antonio hasta Houston.

Te compartimos el número para asistencia y ayuda en emergencias por el #HuracánPatricia. pic.twitter.com/20kkqdd9DR

— SRE México (@SRE_mx) octubre 23, 2015

La Comisión Nacional del Agua (CONAGUA) y Servicio Meteorológico Nacional (SMN) ha alertado a la población a atender los avisos de Protección Civil y a mantenerse informada sobre las condiciones meteorológicas ocasionadas por Patricia. El Comité Nacional de Emergencias ya ha emitido Declaratoria de emergencia en varios municipios. Además la Secretaría de la Defensa Nacional y otros organismos ya se encuentran listos con unidades médicas, refugios temporales y unidades de rescate ante cualquier emergencia.

Ante el #HuracánPatricia: pic.twitter.com/f7HD4T62Bs

— Conaculta (@Conaculta) octubre 23, 2015

¿Cómo sería la contraseña perfecta? Esta pregunta ha atormentado a los usuarios desde hace décadas. Y por fin parece que sabemos como coger un password totalmente seguro y fácil de recordar.

Muchos suelen bromear con este tema: la búsqueda de la contraseña perfecta es más complicada incluso que la del unicornio o el santo grial. El propio Randall Munroe lo exponía en uno de sus cómics para XKCD: hemos llegado a un punto en el las contraseñas son difíciles de recordar para un ser humano pero muy fáciles de adivinar para una máquina. Pero entre toda la marabunta de números y letras, mezcladas con símbolos, parece que surge la luz. ¿Han encontrado los investigadores una manera de crear la contraseña perfecta? Es más, ¿es una manera accesible a todo el mundo a demás de segura? Parece que tenemos buenas noticias.

Los dos fundamentos de la contraseña perfecta

Marjan Ghazvininejad y Kevin Knight son dos investigadores de la Universidad de California que se plantearon, precisamente, solucionar el problema de una vez por todas buscando la contraseña perfecta para el usuario. Para ello, se basan en dos fundamentos muy sencillos pero esenciales. En primer lugar, una contraseña ha de ser extremadamente difícil de romper. No existe contraseña indescifrable. Pero sí existen contraseñas tan difíciles de descifrar que el tiempo que se necesita para hacerlo las hace virtualmente irrompibles. En segundo lugar, ha de ser fácil de recordar en la cabeza, el único sitio donde puede permanecer la información a salvo.

XKCD | Randall Munroe

Así, que inspirados por el cómic de XKCD del que hablábamos, se dispusieron a crear un método capaz de generar contraseñas seguras y fáciles de recordar. Y ¿en qué consiste? Simplificándolo mucho, se trata de elegir varias palabras del diccionario. Estas palabras, por su combinación, puede llevarle a un ordenador demasiado tiempo para ser descifradas, lo que lo convierten en un password virtualmente seguro. Ahora, ¿cómo lo recordamos?, aún más fácil: con un pequeño poema.

Ciencia tras un poema

Parece que hemos simplificado demasiado la búsqueda de nuestra contraseña perfecta. Pero lo cierto es que funciona. Vamos a ver por qué. Como explican los investigadores en su reciente artículo, todo depende de la manera de codificar la información. En su artículo, estos ingenieros analizan diversas maneras de generar una contraseña y su seguridad. Esto incluye escoger una frase aleatoria, el sistema propuesto por Munroe y otros métodos mnemotécnicos. Tras analizar los posibles fallos de estos sistemas, desarrollaron un software que asigna un código a cada una de las 327.868 palabras sacadas de un diccionario (en inglés). Un algoritmo, entonces, genera un código El software diseñado asigna un código a cada una de las 327.868 palabrasaleatorio del cual se obtienen combinaciones de palabras obtenidas al azar.

Con las palabras se forman dos frases cortas, lo que hace que la frase sea virtualmente segura. Para que, además, la frase sea fácilmente recordable, el programa se encarga de que las frases sean un verso yámbico, haciendo rimar las palabras finales. Y así se obtiene la contraseña perfecta. Tras poner a prueba su sistema, los investigadores estimaron que con los métodos actuales de hackeo, romper la contraseña obtenida de esta forma podría tardar unos cinco... millones de años de media. Un tiempo que podríamos considerar suficiente como para declararla segura. Ahora, puede que haya quién tenga dudas de por qué usar la rima. Pero la cuestión es muy sencilla.

Memes y rimas

Se ha estudiado mucho el método de aprendizaje que usa nuestro cerebro a la hora de adquirir información. Una de las maneras de medir las unidades de información es mediante "memes", unidades de información cultural (y término acuñado por Richard Dawkins). Según las evidencias, los seres humanos somos capaces de ampliar y dividir esos memes según la administración de los mismos. Por ejemplo, aprender la tabla de multiplicar supone una serie de memes diferentes (por cada número, por ejemplo). A medida que la memorizamos y aprendemos, esos memes comprenden no solo cada multiplicación, sino Meme se refiere a una unidad de información culturalcada tabla (la del 2, la del 5, la del 9), gestionando la información como un todo en nuestro cerebro.

Esto mismo ocurre con las canciones y, por supuesto, con los poemas. Lo que comienza siendo una serie de memes individuales se convierten en un solo meme, completo, al recitarse la canción o poema. Por eso, la gestión de la información de todo el meme se vuelve mucho más afianzada en nuestro cerebro. Además, los humanos tenemos tendencia a grabar a fuego los sonidos rítmicos y musicales. Todavía no se entiende muy bien el mecanismo, aunque se sabe que tiene que ver con nuestra fisiología cerebral. Pero el caso es que los sonidos rítmicos despiertan algo en nuestra naturaleza (normalmente). Somos seres muy musicales. Así que los poemas y canciones se nos quedan grabados a fuego.

Shutterstock | Beatriz Gascon J

No por nada los seres humanos llevamos usando poemas para recordar historias y por placer desde hace siglos. Tampoco es raro que una melodía o la letra de una canción (la combinación perfecta) se quede en nuestra mente repitiéndose de una manera casi enfermiza. De hecho, probablemente sea una buena idea asignarle al poema una tonadilla, lo que crearía la contraseña perfecta a todas luces. En cualquier caso, quien desee utilizar el software creado por estos investigadores, tiene a su disposición la página de ejemplo y un contacto para generar una clave única y que es borrada inmediatamente después del servidor. Eso sí, la tonadilla, en tal caso, deberá ser en inglés.

En una época donde la cocina y la gastronomía están de moda, recomendamos algunas de las películas y series más destacadas de los últimos años

Hoy se estrena en USA la última película protagonizada por Bradley Cooper: Burnt es un drama culinario en el que se nos cuenta la historia de Adam Jones, un Chef en horas bajas debido a sus problemas con las drogas y su elevado ego que decide reconducir su carrera trabajando duro por conseguir tres Estrellas Michelín en un nuevo restaurante de Londres.

Y no es ninguna sorpresa encontrarse con una película centrada en el mundo de la alta cocina con actores de la talla de Sienna Miller, Daniel Brhül y Omar Sy. Talent shows, documentales, food trucks, cursos culinarios… Ser foodie está más de moda que nunca.

Pero en lo que a cine y televisión respecta, pese a la destacada proliferación reciente, siempre hemos podido encontrar proyectos relacionados con lo que se cuece en el duro y competitivo mundo de la cocina profesional. Os traemos una variada recopilación de algunas de las más destacables series y películas relacionadas con la cocina.

Ratatouille

La culpable, junto a programas como Masterchef Junior, de que los más pequeños de la casa quieran husmear en los fogones y dar sus primeros pasos en la cocina. La historia de Remy es, además de un positivo mensaje de superación, una deliciosa y animada representación de cómo es trabajar en una cocina de un gran restaurante en nada más y nada menos que París. Muy posiblemente, una de las mejores películas de Pixar.

Chef

Es curioso que Jon Favreu, después de guionizar y dirigir proyectos como Iron Man o Cowboys & Aliens, tomara las riendas creativas de una película tan costumbrista como esta. Rodeado de actores como Sofia Vergara, John Leguizamo o Scarlet Johansson, apunta a las familias que quieran pasar un buen rato viendo cómo un padre divorciado intenta aunar el pasar más tiempo con su hijo y volver a ser alguien, de un modo alternativo, en la cocina profesional. Si una cosa hay que reconocerle es que supo ver el auge de los food truck.

Deliciosa Marta

De nuevo, aunque con enfoque más trágico, nos volvemos a encontrar con los problemas nacidos al compaginar un arduo trabajo como chef y la vida familiar. En esta película alemana, Marta deberá hacerse cargo de su sobrina después del trágico accidente que acaba con la vida de su hermana. Después de un tibio comienzo de la convivencia todo desembocará en una suave comedia que incide en la artesanía y el cuidado tras de cada plato.

Estómago

Una de las más particulares películas relacionadas con la cocina. Se nos presentan, en dos tiempos, las andanzas en la cocina de Raimundo Nonato, empezando de friegaplatos tras no poder pagar la cuenta de un restaurante y terminando por cocinar en una cárcel en la que ha ingresado por un motivo desconocido. Todo ello con un fuerte regusto picante.

Fuera de Carta

Película resultado de salpicar la típica comedia española con pizcas de alta cocina: humor hiperbólico, rozando lo chabacano en ocasiones pero que, en una tarde distentida, podrá sacarnos unas cuantas risas. El film se mantiene a flote por la hilarante interpretación de Javier Cámara y, estructura recurrente mediante, plasma las complicaciones familiares y sociales derivadas de ser un chef profesional.

Un enfoque realmente parecido es el que comparte con El Chiringuito de Pepe, protagonizada por Santi Millán y Jesús Bonilla, una de las series más recientes producidas por Mediaset.

American Cuisine

El soldado Loren Collins, muy consciente de que el ejército no es lo suyo, aprovecha una discusión con su superior para dejar atrás el mundo armado y perseguir el complicado sueño de triunfar en la cocina. Típica comedia centrada en la superación del personaje que, eso sí, presenta una fotografía impecable de los platos que veremos en pantalla.

Big Night: Una gran noche

Dos hermanos italianos regentan un restaurante en Nueva Jersey en el que sirven platos de su país terminan asediados por las deudas y necesitan dar un pequeño giro a su oferta gastronómica. Así, deciden contratar a un famoso músico de jazz para amenizar la que, parece, será una gran noche para el negocio en la que ponen mucho empeño. A partir de ese momento comienza una película en la que se muestra el lado más social de la cocina desde un prisma muy tierno y, sobre todo, de un gran nivel cinematográfico.

El festín de Babette

Aunque no tan estrictamente ligada con la cocina profesional o sumamente centrada en los platos a preparar, esta película danesa es, posiblemente, la más interesante en lo cinematográfico de las presentes. Gracias a ese poder social de la cocina se tratan temas peliagudos y trascendentes del siglo XIX; cuando Babette llega a un pequeño pueblo danés, será acogida por dos hermanas ancianas arrepentidas por haber dejado pasar demasiadas cosas en su vida. En dicha relación y en el festín de agradecimiento preparado por la joven reside parte del valor de esta bella película.

Food Wars! Shokugeki no Soma - TV

Imaginad una suerte de shonen como Naruto o Dragon Ball en el que el personaje, en lugar de ambicionar ser el guerrero más temido de su universo, busca demostrarle a su padre que puede ser un cocinero de primerísimo nivel tras ingresar en una escuela en la que se pondrán a prueba sus habilidades. Eso, un agradecido vistazo a las escuelas de alta cocina, es lo que ofrece este recomendable anime estrenado este año.

Ristorante Paradiso - TV

Nicolette decide viajar a Italia para, empeñada en amargarle la existencia, encontrar a la madre que le abandonó. Una vez allí conoce que esta trabaja en un restaurante y decide incorporarse a la plantilla del mismo, esforzándose por no desentonar entre fogones. Lo que sigue es un peculiar anime enfocado a un público adulto con una enorme personalidad que, eso sí, puede no ser para todos los públicos debido a su ritmo pausado.

The Trip - TV

En esta miniserie de seis capítulos, el periódico británico The Observer se encargó de cubrir todos los gastos de dos amigos actores al emprender un viaje gastrónomico con el objetivo de descubrir los sabores y matices de la cocina del norte de Inglaterra.

Cuatro años después, la BBC colaboró en la producción de una segunda temporada en la que Italia sería su patio de recreo culinario. Una suerte de Top Gear gastronómico con mucho humor británico y un alto contenido de divagaciones sobre vida, amor, muerte o cine.

Chef’s Table - TV

Mi descubrimiento más reciente gracias a la llegada de Netflix a España. En esta serie documental, con una primera temporada de cinco capítulos (a la espera estoy del anuncio de una segunda), se repasan las trayectorias, influencias, errores y anécdotas de algunos de los mejores chefs de la cocina actual: desde el italiano y post-moderno Massimo Bottura hasta el espiritual Ben Shewry. Una propuesta imperdible, con una factura visual impecable, para todo aquel interesado en el mundo de la alta cocina.

¿Para qué esperar a que Apple añada tu ciudad cuando puedes usar otra aplicación?

Los mapas de transporte han sido al mismo tiempo una de las mejores y de las peores novedades de iOS 9. Aunque a diferencia de los mapas de iOS 6, en este caso el problema no está en que el sistema tenga bugs o no funcione como se espera, si no en que ha llegado de manera muy limitada y apenas se puede disfrutar en unas pocas ciudades a lo largo del mundo. Londres, Ciudad de México, Nueva York, San Francisco, y Washington, son algunas de las ciudades afortunadas, pero ¿qué pasa si no vives en ninguna?

La primera opción podría ser resignarte y esperar, aunque viendo lo que está tardando en llegar FlyOver a muchos lugares, quizás no sea la mejor idea. Lo que nos lleva a la opción número dos: buscar una aplicación alternativa que ofrezca este servicio en tu ciudad. Y, a día de hoy, no hay mejores alternativas a los mapas de transito de Apple para España y América Latina que estas cuatro aplicaciones:

CityMapper

Si vives en Madrid, Barcelona o Ciudad de México esta es tu app. CityMapper tiene una misión clara “que las ciudades sean más fáciles de usar” y lo consigue. De momento, al igual que Apple Maps, está disponible en pocas ciudades, pero en aquellas donde está ofrece datos precisos y completos de todos los servicios de transporte públicos disponibles. Desde algo tan básico como las líneas y la frecuencia hasta la posibilidad de crear rutas mezclando distintas líneas con tramos a pie. A parte de en iPhone también está disponible en Apple Watch, por lo que podemos consultar el trayecto desde la muñeca.

Aquí la lista de ciudades disponibles en el servicio.

Moovit

La segunda alternativa es Moovit, que pese a no tener datos tan precisos como los de CityMapper (en algunos lugares) tiene la ventaja de estar disponible en una gran cantidad de ciudades. Solo en España está disponible en 22, a las que hay que sumar otras 5 de Argentina, 4 en México, 9 en Chile, 42 en Brasil, 8 en Colombia y una en Costa Rica, Uruguay, Peru, Bolivia, Nicaragua. Y así hasta sumar 700 ciudades en 28 países. A parte del iPhone también está disponible para el Apple Watch y cuenta con la información de transporte público que uno puede esperar. Nos muestra las líneas que pasan por las estaciones cercanas, podemos añadir destinos favoritos, podemos crear rutas mezclando líneas e incluso nos avisa si hay algún fallo o retraso.

Aquí la lista de ciudades disponibles en el servicio.

Google Maps

Con 27 ciudades disponibles en España y 8 países de América Latina Google Maps es otro de los servicios con mejor cobertura de transporte público actualmente. Su aplicación juega en la misma liga de Apple Maps, por lo que parte con ventaja sobre el resto de alternativas. Sin embargo, su versión para Apple Watch deja mucho que desear y los datos que ofrece no son tan completos ni detallados como los de el resto de competidores.

Aquí la lista de ciudades disponibles en el servicio.

Transit App

De las cuatro Transit App es la que, a día de hoy, peor cobertura tiene puesto que de todo América Latina y España solo está disponible en un único lugar: Ciudad de México. Si vivís en USA, Canadá, Francia o Inglaterra quizás tengáis un poco más de suerte, puesto que a nivel mundial está disponible en 109 ciudades. Como curiosidad, en aquellos lugares donde existe Uber está incluido como una opción más de transporte público, mostrando el tiempo que tardaría en llegar hasta nuestra posición.

Aquí la lista de ciudades disponibles en el servicio.

Los creadores de la franquicia de American Horror Story echaron mano de un lugar real que encierra tras sus muros siniestras historias, el Hotel Cecil.

Ya nos encontramos en pleno disfrutando de American Horror Story: Hotel, la quinta temporada de la exitosa franquicia creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk. Como sabemos, en esta entrega los aterradores hechos y los siniestros personajes a los que nos tiene acostumbrados la serie se dan cita y habitan (literalmente) en el Hotel Cortez.

Como en otras ocasiones, en las que los creadores incluyen historias y personajes reales a los cuentos de horror que vemos en la pantalla, en esta edición se inspiraron en un lugar que su reputación le precede: el Hotel Cecil.

Este hotel de 600 habitaciones es bastante famoso en Los Angeles y podría decirse, sin temor a equivocarse, que es tristemente célebre porque en él se han alojado asesinos en serie, víctimas de asesinato, suicidios y una muerte bajo circunstancias inexplicables a la lógica común.

1924

En este año fue que el Hotel Cecil abrió sus puertas enfocado a viajeros de negocios con habitaciones pequeñas y cómodas solo para cumplir lo necesario para viajes de ese tipo. Sin embargo, para los años 50's el hotel ganó fama de alojar inquilinos por periodos largos.

Al ser un hotel del downtown de Los Angeles, y con el paso de las décadas. Su reputación fue en picada debido a las características de sus huéspedes. Para comprender esto, debemos ir a los años de La Gran Depresión y en la que muchos negocios se vieron en bancarrota y muchas personas se quedaron a un paso de convertirse en homeless. Así, el Hotel Cecil tuvo una gran afluencia de personas que vivían en sus habitaciones por largos periodos y a pesar de que en 2007, y con una nueva administración, renovó su imagen y sus habitaciones, sus macabras historias ya le son indelebles.

Huéspedes siniestros

Hay mucho de cierto en lo que se dice del Hotel Cecil y mucho es una larga lista de historias sin fundamento, que implica fantasmas, actividad paranormal en general y posesiones demoniacas. Si quitamos esto último aún así es de sorprender como existen lugares en los que se reúnen historias tan tremendas que cumplen lo que dice el dicho: la realidad supera a la ficción.

«The Night Stalker»

"El merodeador nocturno" en español, es el apodo que acuñó con sus actos Ricardo Leyva Ramírez Muñoz, un asesino serial que cometió asesinato al menos a 14 personas en Los Angeles entre los años 1984 y 1985. No solo eso, a Ramíerz se le acusó de 5 intentos de asesinato, 9 violaciones y 2 secuestros. En 1989 fue sentenciado a la pena de muerte, sin embargo pasó 23 años condenado a muerte esperando su ejecución sin que esta llegara. La muerte por una insuficiencia hepática le costó la vida a los 53 años. Este hombre fue residente del Hotel Cecil en 1985, justo en las épocas que ya cometía sus crímenes.

Jack Unterweger

Este austriaco fue un asesino en serie de mujeres que se dedicaban a la prostitución. Sus crímenes los realizó en varios países y siempre con el mismo modus operandi, estrangulando a sus víctimas con su propio sujetador. Fue condenado a cadena perpetua por su primer víctima, una chica alemana, en 1974. Tras 15 años de prisión fue liberado gracias a un movimiento de intelectuales y por lo cual llegaría a tener cierta fama por ser "un ejemplo de reinserción social".

Al ser liberado, se convirtió en escritor y periodista, además de publicar su autobiografía. Pero sus crímenes continuaron pocos meses después de salir de la cárcel y fue en una visita a Los Angeles, en la cual se hospedó en el Hotel Cecil en 1991. En esta visita se encontraba haciendo un reportaje sobre la prostitución y fue como conoció la zona roja de la ciudad. Más tarde se le vinculó con tres violentos asesinatos de tres mujeres que se dedicaban a la prostitución; fue perseguido por varios países y más tarde capturado en Miami en 1992. Al ser condenado a la pena de muerte por 11 homicidios se suicidó esa misma noche en su celda, esto en el año de 1994.

"The water taste funny"

El cadáver de Elisa Lam fue encontrado en un tinaco del hotel

Esto dijo al teléfono un huésped del Hotel Cecil a recepción en febrero de 2013. El personal de mantenimiento fue a revisar a qué se debía la, además, baja presión en el agua y el sabor que fueron reportados. El siniestro descubrimiento que realizaron en un tinaco en la azotea del hotel impactó a todos; el cadáver de una chica de nombre Elisa Lam fue encontrado en el interior de uno de los depósitos de agua. Elisa, una turista y estudiante canadiense había desaparecido a finales de enero de ese año, es decir dos semanas antes de ser descubierta. Ella era huésped del hotel y lo sucedido es hasta ahora misterioso y lleno de especulaciones.

En la autopsia que se le realizó no se encontraron rastros de violencia o drogas, tampoco se encontró en su historial problemas de salud mental, como se argumentó al principio. Y es que el video donde se muestran sus últimos momentos en los que fue vista con vida, su comportamiento es anormal. Luego de estas tomas ya no se supo de ella y los demás huéspedes declararon escuchar ruidos extraños e inundaciones en sus habitaciones.

Nueva administración

Como decíamos líneas arriba, el Hotel Cecil tiene una nueva adminstración desde 2007 y en la que se ha intentado dar un nuevo giro a la reputación que le precede. Aunque, debido a la quinta temporada de American Horror Story, el hotel ya empieza a vivir un caos por los muchos fans que se dan lugar en él para hospedarse en la habitación de Elisa o en cualquiera que tenga siniestros antecedentes, así lo reportó TMZ.

Así pues, este lugar sin duda encierra muchas historias y han sido retomadas y dramatizadas por los creadores de esta franquicia que siempre da mucho de que hablar. Por lo pronto seguiremos realizando los recaps luego del estreno de cada nuevo capítulo.

Las reglas de fotografía están para marcarnos el camino e indicarnos qué debemos hacer, pero en ocasiones, la mejor opción es tomar un desvío.

“La primera regla del Club de la Lucha es: nadie habla sobre el Club de la Lucha. La segunda regla del Club de la Lucha es: ningún miembro habla sobre el Club de la Lucha…”. Las reglas tienen una función básica pero que al mismo tiempo resulta necesaria: guían el camino que se debe tomar. Y no solo eso, sino que también establecen los límites que no hay que traspasar. Pero este post no versa sobre directrices, sino de cómo saltarlas.

Del mismo modo, en la fotografía existen numerosas reglas que nos indican qué composición utilizar o qué ajuste debemos establecer para una exposición adecuada. Y nadie niega que sean necesarias, pero en cierto sentido también pueden ser las culpables de limitar nuestra capacidad creativa y de improvisación.

Eso sí, antes de saltar alguna regla debemos saber qué estamos obviando. Tampoco pretendo extrapolar la corriente del Dogma 95 a la fotografía y defender aquello carente de gusto estético, pero sí que dejemos cierto margen para olvidar conceptos que, una y otra vez, se repiten en numerosas páginas y manuales para aficionados al mundo de la imagen.

Parece que siempre se deben seguir los mismos tutoriales de Photoshop o de cómo encuadrar una imagen
Con el tiempo, cada profesional labra su propio estilo y forma de captar instantáneas. Sin embargo, parece que siempre se deben seguir los mismos tutoriales de Photoshop o de cómo encuadrar una imagen, y eso no es así. Al igual que el Barroco surgió para luchar contra el arte clásico, en la fotografía terminan destacando aquellos autores que acaban rompiendo con lo anterior y llamando la atención por su estilo característico e innovador. Un ejemplo de ello podría ser Gregory Crewdson, quien supo cómo capturar la atmósfera del séptimo arte en una sola imagen.

Intentar desmontar cada una de las reglas de fotografía que tenemos preconcebidas es una tarea casi imposible, pero sí que podemos exponer un muestrario de aquellas más evidentes y que cumplimos casi sin barajar qué otra opción tenemos disponible. Existen más cartas en la baraja, y tenemos ejemplos que se encargan de demostrarnos lo equivocados que estábamos sobre la que creíamos nuestra mano ganadora.

“Utilizar los puntos de interés”

Lo clásico: coloca el sujeto en uno de los puntos de más peso en la imagen. La bendita regla de los tercios. Es mentira, depende de muchas más cosas. Solo tenemos que echar un vistazo a la venerada fotografía de películas como las de Wes Anderson o Stanley Kubrick, quienes destacan por utilizar unos planos simétricos donde el punto de interés se sitúa en el centro de la imagen. Entonces, ¿por qué no utilizar el centro? Tampoco debemos forzar un encuadre que no resulta estético, pero no hay que descartar ninguna de las opciones posibles.

“Respetar la regla de la mirada”

"The King's Speech" (2010) | Tom Hooper

Supuestamente deberíamos dejar el "aire" de nuestra imagen hacia el lugar donde mira el protagonista. De nuevo, no eso no es del todo cierto. Es verdad que si invertimos ese proceso el sujeto parece encerrado en el marco y se crea una sensación de incertidumbre sobre dónde estará mirando. Pero, ¿y si es eso lo que queremos conseguir? En la película de “El discurso del rey” eran habituales planos en los que se invertía dicha regla, haciéndonos partícipes de la incomodidad e impotencia que tenía el protagonista en un momento concreto del filme.

“El horizonte, nunca en el centro”

Ditty_about_summer | Shutterstock

En numerosas ocasiones he intentado hacer la foto de un paisaje mientras me repetía: debes dar más importancia al cielo o a la tierra, nunca buscar un equilibrio entre los dos. Pero a veces, situar el horizonte en el centro era lo que me otorgaba mejor resultado, al menos bajo mi criterio (totalmente subjetivo) estético. Como ocurría con los puntos de interés y la regla de los tercios, creo que en ocasiones puede ser correcto buscar el equilibrio y, por qué no, dividir una imagen por una mitad de cielo y otra de tierra.

“A partir de 1/60 ya aparece una foto borrosa”

Refat | Shutterstock

Es la velocidad límite establecida por antonomasia, pero ya se empieza a quedar algo obsoleta. Tiene su origen en las cámaras analógicas, las cuales marcaban la velocidad de 1/60 con un rojo o amarillo que nos alertaba el peligro de utilizar tal opción. Pero ahora es bastante diferente, tanto los estabilizadores ópticos como los incorporados en las cámaras han mejorado de una forma impresionante, algo que se encargan de demostrar sistemas como el de la Sony A7R II. Eso sí, lo que no podemos evitar es que se muevan los elementos que encuadramos.

En definitiva, tengamos en cuenta las reglas que hemos aprendido, pero no tampoco debemos tener miedo a salirnos de los manuales y experimentar con aquello que no es tan políticamente correcto.

Otoño es la época favorita de las productoras para estrenar sus nuevas series. Pero, de todas las actuales, ¿cuál consideran la mejor serie del momento?

Otoño es la época favorita de las productoras para lanzar sus nuevas creaciones —ya sea una nueva temporada o una serie completamente nueva–. Este año el catálogo es realmente amplio, con series como Fargo, Modern Family, The Good Wife, The Leftovers, The Flash o American Horror Story.

Ante tal variedad de catálogo, en Hipertextual queremos conocer cuáles son sus preferencias al respecto. Es decir, ¿cuál consideran la mejor serie del momento? Para ello, hemos elaborado un breve cuestionario con unas treinta opciones, entre las cuales se encuentran todas las principales series que están emitiendo nuevos episodios durante el otoño.

También repasamos los resultados de la última semana, cuando les consultamos por el mejor servicio de televisión de pago en la actualidad. Los candidatos eran Movistar+, Orange TV, Vodafone TV y Netflix, el recién llegado.

El vencedor, a pesar de ser su semana de lanzamiento en España, ha resultado ser Netflix, apropiándose del 69% de los votos totales. En segundo lugar encontramos Movistar+, que ha obtenido el 22% de los votos de nuestros lectores. Por último, encontramos a Vodafone TV y Orange TV, con un 6% y un 3% respectivamente.

La segunda temporada de 'The Leftovers', serie de la HBO, se encuentra en emisión. Veamos qué nos motiva a algunos para seguir viéndola tras la primera temporada.

Especificar cada una de las características que debe poseer una serie de televisión para atrapar a los espectadores, o incluso las posibilidades que sería bueno que explorara para ello, quizá sea estéril: no pocas historias hay de éxitos inesperados. Pero no parece que haya dudas de que la cadena HBO ha de estar haciendo algo muy bien a la luz de su trayectoria en la producción de series, y una de las últimas en su haber que me ha llamado poderosamente la atención es The Leftovers, cuya primera temporada se emitió entre finales de junio y principios de septiembre de 2014; y ahora os voy a contar lo que en ella me encontré para que consiguiera engancharme.

El misterio como excusa

La premisa de esta serie es decididamente excéntrica: tres años antes del momento en que comienza y por causas desconocidas, el 2% de la población mundial, unos 140 millones de personas, desapareció de pronto sin dejar rastro, desvaneciéndose en un abrir y cerrar de ojos. Para la ficticia ciudad neoyorkina de Mapleton, que es en la que seEl 2% de la población mundial, unos 140 millones de personas, desapareció de pronto sin dejar rastro, desvaneciéndose en un abrir y cerrar de ojos centra la primera temporada, no fue diferente, y sus habitantes también sufrieron lo que llegó a conocerse como la Ascensión por la generalizada perspectiva religiosa o al menos trascendental con que se interpretó el evento. Allí conocemos a casi una veintena de personajes cuyo nexo es Kevin Garvey (Justin Theroux), Jefe de Policía del lugar, y que han afrontado lo que supuso una tragedia para el mundo de distintas maneras.

De hecho, de eso se trata: la Ascensión no es más que un pretexto para mostrarnos el drama de estos personajes y los conflictos internos y externos que este provoca, con una verosimilitud y una hondura psicológica de las más admirables, sin escamotear a ninguno de ellos un tratamiento digno ni miedo a la utilización de flashbacks explicativos o matizadores, todo ello siempre aderezado en cualquier caso con las pequeñas extravagancias y grandes asombros que conlleva el misterio.

Justin Theroux en 'The Leftovers' - HBO

Si bien es cierto que The Leftovers es la adaptación televisiva de la novela homónima de Tom Perrotta, uno de sus creadores además, el otro responsable de la misma es Damon Lindelof, aunque los que estuvimos atentos a cómo era el estilo narrativo de Lost (JJ Abrams, Jeffrey Lieber, Lindelof, 2004-2010) podríamos adivinarlo si no lo supiésemos: el interés dramático en The Leftovers está enfocado en lo mismo y la dinámica de hechos insólitos, pistas y cuentagotas con sus enigmas es semejante, tanto como la sutileza de sus, hasta ahora, escasas La primera temporada de la serie se ve casi al completo con la boca entreabierta y prácticamente sin pestañearexplicaciones. Pero carece de saltos temporales insistentes y de su simetría en la estructura de los episodios.

La primera temporada de la serie se ve casi al completo con la boca entreabierta y prácticamente sin pestañear, no sólo por la buena realización, la mayor parte del tiempo con una implacable cámara en mano y el impulso emocional de la hermosa banda sonora de Max Richter, sino porque los episodios son una sucesión de escenas sugestivas, conmociones y fascinantes extrañezas: el mismo inicio sobre uno de los casos de la Ascensión en el piloto, las más sobrecogedoras de los impactantes quinto y octavo episodios, “Gladys” y “Cairo”, el sexto, dedicado a la sufrida Nora Durst (Carrie Coon), doloroso “Guest”, la secuencia que profundiza en cómo fueron un puñado de desapariciones del noveno, “The Garveys at Their Best”, la secuencia del clímax apocalíptico en el décimo y último episodio de la temporada, “The Prodigal Son Returns”, y si a mí me preguntan, cada una de las escenas en las que aparece una maravillosa y desafiante Ann Dowd como la sectaria Patti Levin.

Los sectarios Culpables Remanentes - HBO

El gran Stephen King dijo en The New York Times sobre la novela de Perrotta que “es, simplemente, el mejor episodio de The Twilight Zone que hayas visto nunca”. Pero hablaba de una obra literaria, así que supongo que los verdaderos y buenos episodios que se encuentran más allá de los límites de la realidad son los de esta serie que la adapta; así que merece la pena dedicarle nuestro tiempo.

Desde Maserati 250F de Juan Manuel Fangio hasta el RedBull de Sebastian Vettel.

La Fórmula 1 es un libro de historia. A lo largo de estos 60 años hemos presenciado innumerables duelos entre pilotos privilegiados. De la misma forma, hemos podido presenciar, observar y admirar numerosos monoplazas de primer nivel. Algunos de ellos han pasado desapercibidos por su escasa trascendencia; otros, en cambio, han quedado guardados en los libros de historia para siempre.

Hoy, en Hipertextual, buscamos rememorar los más especiales. Aquellos Fórmula 1 que marcaron una época o que están ligados a sucesos importantes de la historia de este deporte. Aquellos Fórmula 1 que han guiado a esta competición hasta el presente.

Maserati 250 F

La Fórmula 1 comenzó allá por el año 1950. En aquella época sonaban nombres como Stirling Moss, Alberto Ascari (de ahí proviene la famosa curva del Autodromo di Monza) y Giuseppe Farina. Pero de todos ellos, fue uno el que logró destacar por encima del resto: Juan Manuel Fangio. Consiguió hacerse con los títulos de 1951, 1954, 1955, 1956 y 1957. Dos de ellos, junto a este Maserati 250 F con motor V12 y 326 CV, uno de los monoplazas más históricos de la época —además de ser precioso.

Mercedes-Benz W196

Coetáneo al Maserati 250 F. Este monoplaza permitió a Juan Manuel Fangio lograr dos de sus títulos mundiales. También fue pilotado por el mítico Stirling Moss (quien es como “el conductor más grande que nunca ganó un título mundial”). A nivel mecánico, supuso una revolución gracias a la importación de diversas ideas procedentes de los aviones militares, lo que le permitió dominar el campeonato casi por completo. Contó con dos variantes: una más aerodinámica (con los neumáticos cubiertos) y otra más convencional (con los neumáticos al descubierto). La versión Type Monza (con neumáticos descubiertos) es uno de los automóviles más atractivos de la historia de la F1.

Alfa Romeo 158 y 159 Aletea

En estas maravillas competitivas no pueden faltar los Alfa Romeo 158 y Alfa Romeo 159. Dominaron durante diversos años la competición automovilística de más alto nivel. Y tienen el título de ser los dos primeros automóviles en ganar un campeonato de Fórmula 1, a las manos de Nino Farina y Juan Manuel Fangio. Contaba con unos 430 cv y una transmisión de cuatro velocidades.

Lotus 25

Otro de los monoplazas más importantes de la competición es el Lotus 25. Pilotos como Jim Clark lo condujeron hasta lo más alto, obteniendo los títulos mundiales de 1963 y 1965. Se trataba del primer monoplaza de Fórmula 1 con un chasis monocasco (realizado en una sola pieza), algo que se estandarizaría años más tarde. Montaba motores V8.

Lotus 49

Con su motor Ford Cosworth V8 de 2.998 cc, este automóvil logró hacerse con dos campeonatos mundiales. Fue pilotado por grandes leyendas del automovilismo como Mario Andretti, Jim Clark, Graham Hill y el mítico Emerson Fitipaldi. Se diseñó alrededor del motor, el cual estaba fuertemente integrado en el chasis (algo que permitió aligerar el peso del vehículo, entre otras cosas).

Ferrari 312T

Sin duda, uno de los coches más míticos de la historia de la Fórmula 1. Fue conducido por eminencias como Niki Lauda o Gilles Villeneuve. Participó en la mítica batalla entre Niki Lauda y James Hunt —si quieren saber más, vean la película Rush–. Su variante, el Ferrari 312T2 estuvo involucrado en el famoso accidente de Niki Lauda (donde se quemó parte de su cara). Este monoplaza ganó varios títulos mundiales (cuatro de constructores y tres de pilotos).

Tyrrell P34

Probablemente, el monoplaza más peculiar de los más de 60 años de Fórmula 1. ¿Por qué? Por contar con seis ruedas —en lugar de las clásicas cuatro–. Contaba con cuatro en el eje delantero y con dos de mayor diámetro en el eje trasero. El objetivo era meramente aerodinámico: conseguir un área frontal menor e incrementar el flujo de aire. Este concepto no logró tener éxito (de 30 carreras, tan solo ganó una), pero siempre quedará en la historia de esta competición como el “seis ruedas”.

Lotus 78

La Fórmula 1 actual se basa, en gran parte, en la aerodinámica. Dentro de ella, una de las técnicas más utilizadas es el aprovechamiento del efecto suelo, el cual permite aprovechar el flujo de aire bajo el coche para aumentar o disminuir el agarre del coche. El Lotus 78 fue el primer coche en aplicar esto, por lo que su trascendencia es indudable. Esto le permitió apoderarse de un mundial de constructores y otro de pilotos (conducido por Mario Andretti en 1978).

Toleman TG184-Hart

Este automóvil probablemente sea desconocido para un gran número de seguidores de la Fórmula 1. Y es que, el monoplaza como tal, no aportaba nada especial. No ganó ningún campeonato del mundo ni ninguna carrera. Entonces, ¿qué le hace tan especial? El Toleman TG184-Hart fue uno de los primeros Fórmula 1 conducido por Ayrton Senna. De hecho, fue el automóvil que condujo en aquel famoso Gran Premio de Mónaco en el que Senna ascendió —bajo una incesante lluvia— desde el puesto número 13 hasta el número 2. Cualquier fan de la Fórmula 1 conocerá esa mítica carrera.

McLaren Honda MP4/4

Este automóvil es, probablemente, uno de los más especiales —si no el que más— de toda la historia de la Fórmula 1. El monoplaza en sí era realmente competitivo en todos los ámbitos, pero lo realmente especial se situaba más allá del monoplaza. Lo verdaderamente especial fueron las increíbles batallas que proporcionó a manos de Ayrton Senna y Alain Prost, uno de los duelos más famosos de esta competición automovilística.

Williams FW16

Este monoplaza diseñado por Adrian Newey compitió en el mundial de Fórmula 1 durante la década de los 90. Fue conducido por pilotos como Damon Hill, Nigel Mansell y David Coulthard. A sus manos, el equipo Williams logró apropiarse del mundial de constructores de 1994.

No obstante, lo que caracteriza a este automóvil no son los títulos ni las victorias. Está relacionado con un suceso muy triste que marcó la competición automovilística para siempre: la muerte de Ayrton Senna. En la vuelta 7 del Gran Premio de Imola de 1994, Ayrton Senna tuvo un accidente a manos de este automóvil, el cual acabó costándole la vida.

Ferrari F2004

Para muchos, el mejor monoplaza que ha rodado por los circuitos de Fórmula 1. Conducido por la dupla Michael Schumacher y Rubens Barrichello, este automóvil con motor V10 dominó de principio a fin la temporada 2004, ganando 15 de las 18 carreras totales. De hecho, diez años más tarde sigue apareciendo su nombre en los récords de cada circuito del campeonato. Sus creadores fueron Jean Todt, Ross Brawn, Aldo Costa y Rory Byrne. Este monoplaza formó parte de una de las épocas doradas de Il Cavallino Rampante, en la cual se adjudicaron 6 campeonatos de constructores.

Renault R25/R26

Con Flavio Briatore al frente y con Fernando Alonso como piloto, Renault vivió una época de ensueño con sus Renault R25 y R26. Ambos monoplazas destacaron por su fiabilidad y por innovaciones como el mass-damper. Protagonizaron duelos míticos como el de Schumacher-Alonso en Imola (2005 y 2006). Cosecharon dos títulos mundiales de pilotos y dos títulos mundiales de constructores.

Brawn GP 2009

En 2009, Ross Brawn (hasta entonces director técnico de Honda Racing F1) anunciaba la compra de Honda Racing F1 (la cual estaba en venta a causa de la crisis económica). Un equipo en venta, problemas financieros… la apuesta de Ross Brawn era cuanto menos arriesgada. Pero, para sorpresa de todos, salió bien. El equipo tenía una base sólida e innovaciones clave como el difusor en la zona trasera (que aumentaba el downforce del monoplaza), lo que, junto al cambio de normativa de aquella temporada, permitió a este novel equipo conseguir el mundial de pilotos (a manos de Jenson Button) y el de constructores.

Red Bull RB7 y RB9

Ambos fueron creaciones de Adrian Newey y conducidos por Sebastian Vettel. Tanto en los años 2011 como en 2013, estos monoplazas con motores V8 dominaron los campeonatos mundiales de Fórmula 1. Tanto el RB7 como el RB9 se encuentran entre los mejores coches de la historia de la Fórmula 1 gracias sobre todo al magnífico diseño aerodinámico conseguido por Adrian Newey. Mención especial merece el difusor soplado y los complejos mapas de motor, lo que permitía generar más downforce que el resto de monoplazas.

Se espera que Patricia, declarada ya tormenta tropical, desaparezca en las próximas horas, aunque Zacatecas, San Luis Potosí y Nuevo León siguen en alerta.

Afortunadamente, el mayor huracán registrado en la historia se convirtió en tormenta tropical al tocar tierra mexicana. La principal hipótesis que se baraja por el momento es que las montañas de la Sierra Madre Occidental 'erosionaron' el anillo exterior del huracán, haciendo que llegara ya muy debilitado a su paso por el territorio mexicano.

El presidente Enrique Peña Nieto ha confirmado que, hasta ahora, no ha habido que lamentar daños mayores y ha agradecido a la población su actitud ante el ciclón.

En el último parte emitido por el Servicio Meteorológico Nacional de México, Patricia es ya considerado como una 'baja remanente en tierra' que seguirá generando lluvias y vientos en las próximas horas. Esto significa que ya no es tan peligroso como habría sido el huracán, pero, aun así, se han establecido las siguientes zonas de alerta (más info en el Twitter de Luis Felipe Puente, Coordinador Nacional de Protección Civil):

• Alerta roja (riesgo máximo): noreste de Zacatecas, noroeste San Luis de Potosí
• Alerta naranja (riesgo alto): centro y sur de Nuevo León, resto de Zacatecas
• Alerta amarilla (riesgo moderado): Tamaulipas, norte de Nuevo León, sur de Coahuila
• Alerta verde (riesgo bajo): Coahuila, Chihuahua
• Alerta azul (riesgo mínimo): norte de Puebla y de Veracruz

Patricia se encuentra ahora mismo sobre Nuevo León, aunque se espera que se disipe en las próximas cuatro horas.

Con el fin de facilitar la comunicación y la tranquilidad entre amigos y seres queridos, Facebook ha habilitado una página para que los usuarios comenten fácilmente si están bien tras el paso de Patricia.

La Secretaría de Desarrollo Social ha puesto a disposición de los afectados un teléfono de información y asistencia: 01800 0073 705.

La actriz Maureen O'Hara ha fallecido a los 95 años de edad. Recordemos a aquellos personajes impetuosos que la hicieron tan querida para los espectadores.

No es necesario que un intérprete cinematográfico posea un talento descomunal o simplemente reseñable para que su labor sea la adecuada y, aunque sólo a cuenta de la familiaridad, de verle a menudo en pantalla, el público pueda tenerle en gran estima. Tal es el caso de John Wayne, el celebérrimo actor de registro único, y de quien aquí más nos interesa, su amiga y compañera de reparto en cinco películas, la actriz irlandesa Maureen O’Hara, que llegó a ser conocida como la Reina del Technicolor porque sus características físicas y su propia belleza eran muy apreciables con esta tecnología, y este es un apodo que comparte con la dominicana y hoy poco recordada María Montez por las mismas razones.

Encarnando a mujeres enérgicas y corajudas

La pelirroja O’Hara nació en Ranelagh durante el año 1920, y podemos decir que la vena artística de O’Hara le viene de familia: su madre, Marguerita Lilburn FitzSimons, era cantante de ópera, como Peggy, la mayor de sus cinco hermanos, que también lo fueron después como ella misma; y de tal forma que acabaron siguiéndola en su carrera interpretativa e incluso participando en sus filmes posteriormente. Pero, si bien ya había estudiado arte dramático y canto en el ilustre Abbey Theater, hubo de ser el distinguido actor inglés Charles Laughton quien más la animó para que se dedicase a la interpretación tras conocerla en un casting de la productora Elstree Studios, y le hizo las veces de padrino frente a los productores en sus comienzos.

Charles Laughton y Maureen O'Hara - RKO Radio Pictures

Actuó, pues, con Laughton a las órdenes del también británico Alfred Hitchcock en Jamaica Inn (1939) y, tras mudarse a Hollywood, volvieron a compartir plano en The Hunchback of Notre Dame (William Dieterle, 1939), película gracias a la que empezó a ser conocida para los Fue el distinguido actor inglés Charles Laughton quien más la animó para que se dedicase a la interpretaciónespectadores, pese a que su interpretación no había recibido críticas demasiado entusiastas.

En ese mismo año de ambos filmes conoció a John Wayne, de ascendencia irlandesa, al que, según cuentan las crónicas, tuvo que acompañar a su casa porque se encontraba ebrio, y de ese modo entablaron una amistad duradera y fructífera que se trasladó a la gran pantalla: lo que había unido el alcohol, que no lo separara el hombre. En 1941, John Ford la quiso para su reparto de la oscarizada How Green Was My Valley, y fue precisamente este director el que aprovechó la química entre O’Hara y Wayne en Río Grande (1950), en la inolvidable The Quiet Man (1952) y en The Wings of Eagles (1957), como luego hicieron también Andrew V. McLaglen en McLintock! (1963) y George Sherman en Big Jake (1971), si bien ya había actuado antes para este último en otras tres películas, entre ellas, Against All Flags (1952), con Errol Flynn.

John Wayne y Maureen O'Hara - Metro-Goldwyn-Mayer

Para John Ford, que dirigió a John Wayne hasta en trece ocasiones, como en la chispeante Stagecoach (1939) y la sobrevalorada The Searchers (1956), O’Hara y él eran su pareja cinematográfica predilecta. Sus personajes siempre mantienen una relación conflictiva porque los de él suelen ser unos descarados, y los de ella, de armas Qué bien se le daba meterse en la piel de mujeres muchas veces ariscas y malhumoradas, pero siempre con unas agallas admirables y una enorme fortalezatomar, y resulta de lo más placentero contemplar cómo trabajan juntos.

O’Hara, por otra parte, también ha actuado a las órdenes de otros directores de cine reputados como Henry Hathaway, William A. Wellman, Nicholas Ray, Lewis Milestone, Carol Reed o Sam Peckinpah. Y merece la pena mencionar su intervención en This Land is Mine, de Jean Renoir (1943), de nuevo con un magnífico Charles Laughton, puesto que su corajuda Louise Martin, su Angharad de How Green Was My Valley, su Mary Kate Danaher de The Quiet Man y, sí, su Rose Muldoon de Only the Lonely, del mediocre Chris Columbus (1991), son lo mejor que hizo la poco versátil Maureen O’Hara en toda su carrera. Y aun así, qué bien se le daba a meterse en la piel de mujeres muchas veces ariscas y malhumoradas, pero siempre con unas agallas admirables y una enorme fortaleza.

El futuro de Star Fox Zero con la sombra de la nueva consola de Nintendo.

Con el anuncio de una consola de sobremesa de Nintendo todos esperamos ver el regreso de nuestras sagas favoritas. Títulos como Super Smash Bros, Mario Kart y The Legend of Zelda acabarán llegando sí o sí. Hay otro tipo de juegos que potencialmente podrían ser un éxito seguro pero que finalmente no terminan llegando. Estamos hablando Metroid, F-Zero, Fire Emblem o un Pokémon de sobremesa. La saga Star Fox siempre ha estado dentro de estas quinielas y finalmente se anunció un nuevo juego que tenía que llegar a finales del presente año. Tendremos que esperar unos meses más porque Nintendo ha pedido tiempo para mejorar algunos aspectos del juego.

Para hablar de Star Fox tenemos que remontarnos al año 1993. Nintendo se sacó de la manga un juego protagonizado por un escuadrón de carismáticos personajes. Técnicamente rompió todos los moldes. El chip especial Super FX que estaba incluído en el cartucho del juego permitía a Super Nintendo mover gráficos tridimensionales. Pero no sería hasta 1997 cuando la saga despegaría hasta el estrellato con Lylat Wars. Fue uno de los juegos de lanzamiento de Nintendo 64 y mejoraba todos los aspectos del original. Sus grandes gráficos, la novedad y la comodidad de un mando con joystick y gatillo fueron una apuesta segura. Además fue el primer juego que funcionaba con el Rumble Pack, un accesorio que hacía que nuestro mando vibrara. Seguro que todos habéis escuchado la mítica frase de "Do a Barrell Roll".

Años más tarde la saga nos dejó con dos juegos para Gamecube que no consiguieron el éxito de sus predecesores. Star Fox Adventures fue el último juego desarrollado por Rare para Nintendo y apostaba más por una jugabilidad terrestre en tercera persona. El último título de sobremesa lo desarrollaría Namco y nos llegaría con el nombre de Star Fox Assault. Tenía una jugabilidad dividida en tres modos de juego: Las misiones en Airwing, las misiones en el Landmaster y las misiones a pie.

Pero volvamos a Star Fox Zero. Shigeru Miyamoto se ha hartado de decir hasta la saciedad que los juegos de WiiU deben aprovechar las capacidades del Gamepad de la consola para desmarcarse de la competencia. No muchos títulos han implementado con éxito este tipo de control. Star Fox Zero parece apostar por un tipo de control híbrido que podremos cambiar en cualquier momento. La pantalla del Gamepad nos ofrecerá una vista en primera persona desde la cabina de piloto y los sensores giroscópicos nos permitirán apuntar de una forma más precisa. Nintendo y Platinum Games reconocen que ha sido muy díficil mantener los 60fps en las dos pantallas.

"Tenemos las dos pantallas -televisión y Gamepad- moviéndose a 60 imágenes por segundo, que es importante para mucha gente, yo creo. Es un logro en los videojuegos, en cierta manera. No es sólo que no lo hayamos hecho antes en Platinum, es algo que nadie había hecho. Son muchos retos. "Es fácil decir que se retrasó para mejorar la calidad o algo así, pero eso cubre mucho, sean los gráficos o el control. Hemos trabajado con juegos de acción durante el tiempo suficiente. Entendemos a los usuarios, cómo responden, cómo se mueven y lo que hacen en cada situación. Lo que hacemos ahora es una experiencia de aprendizaje nueva para nosotros, es divertido descubrirlo."

Finalmente el juego se ha retrasado hasta los primeros meses de 2016 pero nos da la sensación de que llega demasiado tarde. Cuando se nos mostró en el pasado E3 fue criticado por sus gráficos y por ser demasiado continuista a pesar de las fases de a pie. La sombra de Nintendo NX, la nueva plataforma de la compañía, es demasiado alargada y algunos han afirmado que tanto Star Fox Zero como The Legend of Zelda podrían ser los últimos cartuchos de WiiU, una consola que se lanzó en 2012. ¿Conseguirá convencer a los nostálgicos y a los nuevos jugadores por igual?

Se ha ido una semana más y es tiempo de ver los tráilers estrenados durante la misma, así como repasar las noticias más relevantes del cine y la televisión.

Es tiempo de ver los avances de películas y series que se han estrenado durante la semana. Además de repasar las noticias y contenido especial que presentamos en Hipertextual.

• 88 formas de darle la bienvenida a Marty MacFly
• Póster oficial de Star Wars: The Force Awakens
• Gilmore Girls regresará a la televisión de la mano de Netflix
• Reed Hastings: “Queremos llegar a un tercio de los hogares españoles en siete años”
• Un eficiente mercenario llamado Ridley Scott
• Vodafone ofrece Netflix gratis durante 6 meses
• Las Nike Air Mag llegarán en 2016
• “Cartel Land”, el poderoso documental sobre los autodefensas en México
• 'Cursed Child' es oficialmente la octava parte de Harry Potter
• La cocina en el cine y la televisión

Te recomendamos pasarte a las reviews de los recientes estrenos en cartelera.

• Black Mass
• Beast of No Nation

Así como los recaps que preparamos de las mejores series al aire. Enjoy!

• American Horror Story: Hotel
• Fear the Walking Dead
• The Walking Dead
• Fargo

Pride and Prejudice and Zombies

Burr Steers es el director y el encargado del guión de esta loca adaptación del clásico libro escrito por Jean Austen. En el reparto se encuentra Lily James quien interpreta a la genial Elizabeth Bennet; Lena Headey, Matt Smith, Charles Dance y Sam Riley da vida al peculiar Mr. Darcy, entre otros. Aún no tenemos fechas de estreno para España, ni América Latina.

Daddy's Home

Will Ferrell y Mark Wahlberg se "enfrentan" en esta película para ganar el cariño de dos pequeños. El primero interpreta a Brad el padrasto de los niños y el esposo actual de Sarah (Linda Cardinelli) mamá de estos; mientras Wahlberg es el papá biológico y el exmarido. Una competencia muy dispareja y posiblemente divertida nos espera en esta cinta dirigida por Sean Anders y John Morris que será estrenada en diciembre de este año.

Jane Got a Gun

Este western dirigido por Gavin O'Connor es interpretado por Natalie Portman, quien comparte papeles con Ewan McGregor y Joel Edgerton. No tenemos fecha de estreno para España, ni América Latina para esta historia de una valiente Jane que busca defender a su marido y recuperar a su hija de una banda de forajidos.

Star Wars: The Force Awakens

El esperado tráiler final de esta amada franquicia rompió récords a su estreno y ya tiene a todos los fans alrededor del mundo esperando la fecha de estreno programada para finales de este año. Sin duda una de las películas más esperadas en 2015.

Joy

Jennifer Lawrence y Bradley Cooper vuelven a compartir papeles para una cinta y de la mano del mismo director que los puso juntos en 'Silver Linings Playbook' y 'American Hustle'. En esta ocasión en la historia de Joy, una chica que busca ser ella misma trascendiendo todas las expectativas que se tiene de ella. En España se estrena el 15 de enero, mientras que en México el 7 del mismo primer mes del 2016.

Rock the Kasbah (clip)

Esta película dirigida por Barry Levinson y que el genial Bill Murray se prepara para su estreno en Estados Unidos, es por esto que se dio a conocer este divertido clip con el actor y Bruce Willis.

Shameless

Para su sexta temporada, que será estrenada en Showtime en enero del 2016, esta serie estrenó su tráiler en la que muestra las muchas nuevas aventuras que tendrá esta peculiar familia.

Jessica Jones

La heroína de Marvel arribará este noviembre 20 a Netflix con su primera temporada. El tráiler luce genial y esperamos una gran serie como a las que nos ha acostumbrado el famoso servicio de streaming con sus producciones originales.

The X-Files

Para la décima temporada de la famosa y esperada franquicia de ciencia ficción se estrenó este pequeño promo de la misma que llegará, para gusto de los muchos fans de la serie, en enero de 2016. Mientras tanto, acá todo lo que sabemos de ella.

##American Crime Story (teasers)

Ryan Murphy cocreador de American Horror Story creó esta nueva serie que veremos en la pantalla chica a inicios de 2016, y que busca enfocarse en la historia de crímenes famosos. Esta primera temporada estará enfocada en el famoso juicio por asesinato de O. J. Simpson.

Los planetas enanos son uno de los conceptos menos conocidos de la astronomía. Os explicamos qué son, cuáles son y qué les diferencian.

Cuando, de pequeños, recibimos las primeras nociones de ciencia, nos introducen los conceptos de Sistema Solar y de planetas. Nos muestran cómo el universo va más allá de lo que nuestros ojos ven a diario. Y nos hacen ver que es posible que, a años luz de distancia, existan otras formas de vida similares en mayor o menor medida a la nuestra.

Pero el espacio está formado por más elementos que los planetas. Existen astros de diferentes tipos, como por ejemplo las estrellas y los llamados planetas enanos. El primero, en mayor o menor medida, se estudia en algún punto, pero el último concepto no sigue el mismo patrón, siendo algo tratado de una forma muy superficial.

¿Qué es un planeta enano? ¿Qué diferencia a un planeta enano de un planeta “normal”?

Los planetas enanos, esencialmente y como su propio nombre indica, son planetas más pequeños que el resto de planetas. ¿Cómo de pequeños? Sin entrar en cifras concretas, se sitúan en un punto intermedio entre los planetas “normales” y el resto de asteroides.

Makemake.

La anterior es la deducción básica y la explicación habitual. Y, aunque parcialmente cierta, no es el criterio por el cual se cataloga a un planeta como “planeta enano”. Los criterios, por el contrario, son los siguientes:

• Está en órbita alrededor del Sol. Es decir, gira alrededor de este.

• Su masa es suficiente para que su propia gravedad supere a la fuerza de cuerpo rígido. En otras palabras: tiene forma esférica o casi esférica.

• No es satélite de un planeta. No gira alrededor de otro astro que no sea el Sol.

• No ha logrado limpiar las vecindades de su órbita. Cuando un astro alcanza un nivel de evolución determinado, este influye de forma incisiva en los astros que le rodean, bien atrayéndolos, alejándolos o haciéndolos girar alrededor de él. Este no es el caso de los planetas enanos, lo que provoca que existan otros astros relativamente independientes en los alrededores de su órbita.

De estos cuatro criterios, el único que diferencia a los planetas enanos del resto de planetas es el último. Los planetas “normales” tienen la suficiente capacidad para limpiar sus vecindades orbitales, mientras que los planetas enanos no.

Como curiosidad: aquellos planetas enanos transneptunianos (que están más allá de la órbita de Neptuno, tomando como referencia el Sol) se conocen como plutoide.

¿Cuáles son los planetas enanos del sistema solar y qué les caracteriza?

En total son cinco. Sus nombres son Ceres, Plutón, Eris, Makemake y Haumea. Estas son sus principales características:

• Ceres. Descubierto en 1801 por Giuseppe Piazzi. Se encuentra entre las órbitas de Marte y Júpiter. Se consideró como un cometa, como un planeta y, finalmente, como un planeta enano. Su masa es la tercera parte del total del cinturón de asteroides. Tiene un diámetro de unos 950 x 932 km, aproximadamente la distancia entre Gibraltar y Gijón (atravesar España en vertical). Se trata de un planeta con agua en su interior, un hallazgo realizado por la Agencia Espacial Europea durante el pasado año 2014.

• Plutón. Descubierto en 1930 por Clyde William Tombaugh. Se trata de un planeta enano situado muy próximo a la órbita de Neptuno. Durante diversos años se consideró un planeta más del Sistema Solar, pero, tras la Asamblea General de Praga de 2006, pasó a categorizarse como planeta enano. Plutón cuenta con un diámetro de 2370 km, algo más de la sexta parte del diámetro del planeta Tierra. Al igual que Ceres, cuenta con una corteza de agua helada y una atmósfera azul.

• Eris. Junto con Makemake, se trata de uno de los planetas enanos descubiertos más recientemente. Su diámetro es ligeramente inferior al de Plutón, con unos 2326 km. Pertenece al grupo denominado como “Plutoide”, por lo que su órbita está más allá de Neptuno. Pertenece al denominado “cinturón de Kuiper”, un conjunto de cuerpos de cometa que orbital alrededor del Sol a una distancia de entre 30 y 100 ua.

• Makemake. Descubierto en marzo de 2005, se trata de otro plutoide, siendo además uno de los objetos más grandes del cinturón de Kuiper. Su diámetro es de, aproximadamente, 1420 km, algo más de la mitad del de Plutón.

• Haumea. Al igual que los tres anteriores, se sitúa en el cinturón de Kuiper, más allá de la órbita de Neptuno (siendo considerado así un plutoide). Fue descubierto en 2003 por Jose Luiz Ortiz Moreno en el Observatorio de Sierra Nevada (España). Su radio es de 1300-1900 km, siendo así un planeta con forma elíptica.

En el Cinturón de Kuiper se estima la existencia de unos 200 planetas enanos potenciales.

Además de estos planetas enanos, existe un grupo denominado como “planetas enanos potenciales”, los cuales no se categorizan como planetas enanos pero sí están en observación para una posible incorporación en el futuro. Se estima que existen 200 planetas enanos en el Cinturón de Kuiper (en el Sistema Solar exterior) y hasta 10.000 en una región más lejana.

¿Por qué Plutón pasó a ser considerado un planeta enano?

La reclasificación que sufrió Plutón durante el año 2006 no estuvo exenta de polémica. La razón principal con la que se argumentó la decisión es el no cumplir el cuarto requisito de un planeta: lograr limpiar las vecindades de su órbita e influir en los astros que le rodean. Muchos científicos discreparon en su momento, y, a día de hoy, el debate sigue abierto — especialmente tras los descubrimientos de la sonda New Horizons, la cual ha demostrado que Plutón cuenta con cinco satélites y una atmósfera, por lo que sí tendría capacidad suficiente para influir en la trayectoria de los astros de su alrededor.

A pesar de las buenas críticas como película, y las desastrosas como documento biográfico tanto por parte de empleados, ex-empleados, familiares y otros miembros de Silicon Valley, Steve Jobs, la película dirigida por el oscarizado Danny Boyle, y guionizada por el también condecorado Aaron Sorkin ha arrancado en EE.UU. con sólo $7.3 millones de taquilla.

El estreno limitado de hace unas semanas nos ponía sobre alerta. Con su estreno a inicios de octubre en varias salas de Estados Unidos, la película sólo cosechó poco más de medio millón de dólares, y auguraba un éxito de taquilla moderado, de existir, cuando su estreno fuera ampliado a más salas.

Quizá la temática de Steve Jobs haya agotado a los estadounidenses, con dos películas ahora mismo en taquilla sobre el tema, con "Steve Jobs: The Man in the Machine" también en los cines acompañando a la cinta de Danny Boyle, y el fiasco de "Jobs" con Ashton Kutcher aún fresco, hagan que el público opte por otros filmes.

En 7ª posición, por debajo del estreno de la 5ª secuela de Paranormal Activity, en una taquilla americana aún liderada por The Martian, que se mantiene líder en su cuarta semana.

Independientemente de la recepción en taquilla, las buenas críticas no dejan de llegar, especialmente hacia Michael Fassbender, en su papel de Steve Jobs, está rumoreado a ser nominado al óscar a mejor actor protagonista. "Se hace con el control absoluto de la película" según Kristopher Tapley, y Todd MacCarthy para Hollywood Reporter afirma que "Fassbender está varios pasos por delante del resto" de sus compañeros.

Halo 5 es la reafirmación de la franquicia. Un juego que partía de las dudas sembradas con TMCC pero que sobrepasa las expectativas en todo momento. Sin ningún género de dudas, Halo 5 es el mejor juego para Xbox One de todos los lanzamientos que ha visto la nueva generación de Microsoft.Tras el lanzamiento tortuoso de Halo: MCC y los tres años de espera desde Halo 4, muchos fans tenían dudas sobre la entrada, muy lejos de magistral, de 343 Industries en una de las franquicias más importantes de los videojuegos y de la cultura popular. Con un público tan polarizado y con tantos lanzamientos, el futuro de la franquicia dependía del buen hacer de 343 con Halo 5, y lo cierto es han conseguido disipar todas las dudas con un lanzamiento sólido en sus pretensiones, cuya lista de peros es de las más reducidas de las que hemos visto y cuyas bondades superan por mucho a la mayoría de lanzamientos del año, incluido algún que otro de los propios de la franquicia Halo en estos 14 años en los que ha alcanzado su madurez.

No obstante, Halo 5 es, tanto por planteamiento como por duración, un juego de transición al menos en lo que a la compaña se refiere. En términos narrativos, el juego arranca cuando termina el 4, y utiliza la misma fórmula para dejar entre ver un nuevo título a corto plazo. Es quizás su mayor pero, y sin entrar demasiado en materia, muchos jugadores verán en la campaña de Halo 5 una duración mucho más reducida que la de sus predecesores, aunque mucho más rica y mejor contada; quizás para adecuarse a esta nueva dinámica de mercado de los FPS en la que el jugador pondera de forma más positiva una campaña corta y un multijugador intenso.

Con todo, y a pesar de su duración, a campaña de Halo 5 es sublime en todos los aspectos, tanto técnicos como narrativos y sacando un final precipitado de la ecuación, estamos ante una de las más espectaculares de toda la saga, incluyendo cambios constantes en el rol del jugador que ayudan a contar la historia de forma totalmente distinta al resto de las entregas, dotando al juego de más ritmo apoyándose en el suspense.

Halo 5 es, en resumen, un conjunto sobresaliente que sabe aprovechar la combinación de campaña y multijugador competitivo para darle al jugador un shooter mucho más fresco, tanto en narrativa como en ritmo, que estamos seguro encantará a todos los jugadores de One.Lo primero que me ha llamado la atención de Halo 5, jugando a la campaña y en solitario, es que no se siente campaña ni solitario. Dejadme que me explique. 343 Industries ha convertido la campaña en una suerte de cooperativo en el que te acompañan otros tres Spartans en cada momento en forma de NPCs que participan activamente en el juego: conducen vehículos, cada uno tiene sus características propias, disparan armas y realizan acciones, y sobre todo, sirven para ayudar al jugador reviviendo y evitando la carga en los checkpoints.

Es el Halo de siempre, pero mucho más trabajado y más adaptado a los shooters modernosEsto facilita mucho el juego, incluso en modalidades de dificultad elevada, y aporta un mayor dinamismo al mismo tiempo que presenta las escenas mucho las vivas y reales, eliminando parte del aislamiento que el jugador sentía en algunas de las entregas anteriores y que es uno de los problemas a solucionar por la mayoría de los juegos en primera persona. No obstante, y al igual que en cuando juegas en cooperativo, puede haber ocasiones en las que la espera hasta que un compañero NPC te cure o te saque del embrollo sea lo suficientemente larga como para matar totalmente el ritmo del juego, balance, supongo. Además, poniendo especial interés en las mecánicas de los NPCs, uno se dará cuenta que parte del concepto del nuevo Halo viene dado por ello, hay situaciones en las que este fireteam automático te salva de repetir constantemente puntos de control, además de ser un factor determinante en el juego de cara a pasarlo en dificultades más elevadas como Legendario.

Puede parece un factor menor, pero lo cierto es que los NPCs facilitan los combates con los bosses del juego, pues pueden recibir órdenes del jugador para que hagan un acción, vayan a un punto o ataquen a un enemigo, sirviendo de distracción y respaldo en más de una ocasión determinante. Lógicamente su presencia disminuye la dificultad del juego, pero en todo momento me ha parecido un acierto su inclusión, por muy simple que sea su desempeño o IA. Otra cosa muy positiva de que los NPCs se comporten como jugadores es que ayuda a crear esta atmósfera de acción que de otra forma solo se conseguiría en el online: en aquellas situaciones en las que hay amplios espacios, la IA del juego utilizará todos los elementos como los Banshee o Wardog, creando un caos organizado que recuerda en el sentido positivo al dinamismo de grandes juegos como Battlefield mientras los quicktime events hacen el resto.

El hecho de no controlar en muchas partes del juego al Jefe Maestro y tener que imaginar parte de los hechos hasta que te los cuentan es un movimiento muy interesante para un franquicia que ha pecado de la linealidad narrativa y del pasilleo durante demasiado tiempo. Por lo que la inclusión de estos nuevos elementos son sin duda algo positivo que genera la sensación de avance. Lógicamente no voy a estropeaos la historia, pero dejadme deciros que 343 le ha dado un sentido muy positivo a que parte del juego no tenga como protagonista al Jefe Maestro -no es la primera vez en la franquicia- y lo cierto es que la fórmula funciona.

Visualmente digo sin miedo a equivocarme que es el mejor Halo al que se puede jugar. Incluyendo la remasterización de la TMCC, Halo 5 brilla en su apartado técnico como pocos y es el primer Halo que podemos considerar de nueva generación con todos los derechos. Lo mejor de todo es que mantiene el nivel en todo momento, no he notado en ningún momento de la campaña, ni siquiera en aquellos momentos con muchos elementos en pantalla, una caída del frame-rate, por lo que la experiencia, en conjunción con el sonido es de matrícula.

Además, sin perder esa estética de ciencia-ficción clásica de la franquicia, la iluminación dinámica y el sistema de partículas y dibujado es sobresaliente. En este apartado quizás mi mayor pega es que las físicas de los enemigos todavía flojean, sobre todo de cara a las explosiones, que de vez en cuando son erráticas y rompen un poco la magia. En consecuencia, el manejo de muchos de los vehículos disponibles sigue siendo confuso y, en según que puntos de la campaña, sigue siendo desesperante -aunque también es una seña de identidad de la franquicia-.

No obstante, el sistema de control se ha mejorado, y en acciones repetitivas como el salto se nota el cambio, pues además de ser mucho más preciso, se integra muy bien en la kinestésica del juego. Además, el salto con golpe agresivo, muy bien integrado en el control, permite percibir la potencia de los Spartan con mayor impacto, de forma que permite al jugador utilizar el salto pudiendo fijar objetivo y que se convierta, en definitiva, en un arma más cuerpo a cuerpo.

La combinación del nuevo aspecto visual, el gameplay y la banda sonora convierten a Halo 5 en redondo¿Lo mejor de todo? La banda sonora no solo deja con la boca abierta, y en esta ocasión está elegida de una forma tan magistral que da la sensación de que participa de las acciones de jugador en el juego, creando un ambiente muy positivo en forma de música épica de fondo en el momento justo en el que estás derrotando a ese boss imposible, algo que dado el nivel sonoro del resto de la franquicia ya era bastante complicado de superar. Pero las mejoras en el sonido del juego no terminan en la música que acompaña al jugador. Halo 5 ha mejorado cada sonido de forma individual, tanto el de las armas como el de los enemigos y escenarios, dando un paso más en el diseño de sonido que no hace más que enriquecer un conjunto que, no me cansaré de repetir, es casi redondo.

No obstante, no todo es tan bonito como parece. El mayor problema de la campaña de Halo es que es tan buena que se hace corta, terriblemente corta. En modo normal, un jugador acostumbrado a los FPS en consola puede terminársela en poco más de 6 horas y, pese a que es la fórmula utilizada por la mayoría de los shooters modernos, sabe a poco en un Halo de 2015. Este es mi principal problema con el juego: es una campaña tan buena que termina tan rápido que deja un sabor agridulce y deja el camino preparado para un nuevo lanzamiento a corto plazo, como mencionaba más arriba. Con todo, en 343 Industries saben que buena parte de la base de Halo está en el multi, y este aspecto no lo han dejado al azar.

Del resto de la campaña poco más que decir sin entrar en el spoiler o en caer en cuestiones relativamente técnicas, pero contando con su duración corta, la campaña de Halo es una de los imprescindibles, me atrevo a decir, de la generación de consolas a la que no le faltan referencias a los juegos anteriores, pequeños cameos de otros personajes conocidos que incluso nos ayudan a partir de la mitad del juego, y sigue teniendo esa carga emocional que ha convertido a Halo en una de las mejores franquicias de la historia de los videojuegos.## Arena y Warzone

Uno de los platos fuertes de Halo, y quizás una de sus señas de identidad para el presente y para el futuro -e incluso para PC depende de dónde vivas- es el multiplayer. Dentro del multi, Halo 5: Guardians incluye dos modos de juego increíblemente interesante y enfocados para jugadores muy distintos. Por un lado, Arena parte del concepto del 4-vs-4 competitivo por equipos que es el fijo candidato de 343 para convertir en un disciplina de deporte electrónico. Warzone, por otro lado, es mucho más masivo, mucho más caótico, y por ser diferente, mucho más espectacular, y además recoge elementos de otros multijugadores incorporándoles a este universo tan espectacular.

Empezando por este último, Warzone es, como su propio nombre indica, un nuevo modo multijugador masivo a gran escala con partidas de hasta 24 jugadores, combinado, al estilo Titanfall, jugadores reales con enemigos NPCs basados en la IA del juego, todo con el fin de construir una experiencia mucho más cercana a la campaña. Y es tan caótico como espectacular. Con equipos de 12 jugadores, las partidas son increíblemente rápidas y dinámicas, aunque en base se trata de un competitivo al uso. Lo mejor de warzone es que los mapas son lo suficientemente grandes como para acoger varios puntos de base y lo suficientemente bien elaborados como para encontrarnos constantemente con nuevos jugadores.

Sobre el papel, la premisa de Warzone es mantener la posición y controlar zonas para generar puntos, mientras los enemigos y la IA del juego intenta hacer lo mismo, o bien tomar posiciones de asalto a las bases enemigas, todo ello, sumido en el caos que suponen 24 jugadores más otros tantos de la IA en el mismo mapa. Las partidas son divertidas, aunque requieren para ser disfrutables el apoyo de los amigos y la coordinación entre equipos. En gameplay, es el modo multijugador más divertido de todos y la forma más sencilla, bajo mi punto de vista, de ganar los suficientes puntos de forma rápida para personalizar nuestro Spartan en Waypoint.

Arena, por otro lado, es más sencillo. Un competitivo tradicional 4vs4 en el que los reflejos y la rapidez en las acciones son determinantes, pero en mi opinión, la magnitud de Warzone le quita algo de protagonismo a Arena, aunque sobre el papel tiene todas las posibilidades de convertirse en uno de los núcleos competitivos de Halo. 9.5Corto pero intenso, el último título de la franquicia consolida el papel de 343 y despeja todas las dudas sobre el futuro de Halo, manteniendo la esencia del juego y la mayoría de sus iconos intactos en su primer lanzamiento para la nueva generación, pero se siente mucho más fresco y trabajado e introduce nuevos elementos que ayudan a la jugabilidad y lo convierten en un shooter más tradicional sin perder su esencia. Uno de los mejores Halo de la historia reciente.

Si el modo campaña es sobresaliente, los nuevos modos multijugador incluidos en esta nueva entrega elevan el listón para futuros lanzamientos y, con las mejoras en el competitivo, Halo 5 es un fijo candidato al olimpo de los FPS convertidos en e-Sports. Con una jugabilidad mejorada, en consonancia con los elementos intrínsecos a la franquicia, Halo 5: Guardians es uno de los imprescindibles de esta generación de consolas y un juego obligado para todos aquellos que tengan una Xbox One bajo la tele. - El despliegue visual es espectacular. - Mantiene el ritmo en todo momento. - La banda sonora sigue estando entre las mejores que ha tenido un videojuego. - Los cambios en los controles y las nuevas mecánicas aportan frescura al juego. - Un Halo de nueva generación. - El multi sigue siendo de los pocos sin rival. - La campaña es demasiado corta para el nivel de exigencia que se espera de Halo. - Algunas físicas siguen siendo erráticas y demasiado aleatorias.

La comunicación entre coches autónomos es el pilar del futuro de la conducción. Ahora mismo es posible que alguien instale estaciones que intercepten los paquetes de información que envía el coche a otros coches y a las infraestructuras para analizar la posición del coche y seguirlo.

El pilar fundamental para que los coches autónomos tengan éxito es que la comunicación sea segura y eficaz puesto que de ello depende la seguridad de sus ocupantes. Además, no solo es importante para la seguridad sino que de ello depende la fluidez del tráfico.

Un investigador de seguridad quiere poner de manifiesto que aún no es segura la comunicación entre coches autónomos y lo ha querido demostrar, aunque no dará mucha más información hasta la Black Hat Europe de noviembre. Pero vamos a analizar lo que sabemos.

Estamos ante un experimento que se realizó en la Universidad de Holanda usando dos estaciones con sensores inalámbricos capaces de localizar a los coches autónomos en un 50% del tiempo que circularon.

La comunicación V2V (vehículo con vehículo) y la comunicación entre coche a infraestructura (V2I) son el alma de los coches autónomos. Tan importante es que puedan hablar los coches como con la infraestructura que los rodea, y según el investigador, esta comunicación se puede intervenir y así poder identificar por donde se mueve un coche.

La seguridad es primordial para que el coche autónomo pueda tener futuro.

Interceptando esta comunicación se puede construir un sistema que pueda trackear en tiempo real la posición de un coche autónomo y así poder seguirlo.

La comunicación entre coches autónomos se basa en un envío de 10 mensajes por segundo usando una porción del espectro Wi-Fi en la banda de 5,9 gigahercios conocida como 802.11p. Los coches en un alcance de pocos cientos de metros pueden recibir estos mensajes y usarlos para construir una imagen del tráfico a su alrededor. Los receptores instalados por el departamento de tráfico también pueden emplear esta información para controlar la congestión del tráfico o alterar un semáforo, por ejemplo. ¿Qué pasa si alguien intercepta también esta información?

La comunicación está encriptada y solo se envía información sobre la posición y la velocidad sin ningún tipo de identificación del vehículo como pueda ser la matrícula o el número de bastidor y teóricamente, cada receptor Wi-Fi está firmado digitalmente para que no puedan introducirse mensajes falsos en el sistema para crear un problema en el tráfico.

Jonathan Petit, el científico principal de Security Innovation, una empresa de seguridad vía software, explica que si instala estaciones para interceptar esta señal a lo largo de una carretera sería capaz de espiar todos los paquetes que envíe el coche. Un coche autónomo enviaría casi 170.000 mensajes cada día y un sniffer podría detectar un 3% de esos datos de forma aproximada. Según Petit, con esa información es capaz de posicionar a un coche en 40% de las ocasiones.

La solución de la NHTSA y las autoridades europeas pasa por cambiar cada cinco minutos el apodo de los coches, pero Petit avisa que esta solución no es la mejor puesto que tan solo necesitaría más estaciones para detectar la señal, en definitiva, si se aumenta un 50% el número de estaciones, podrían seguir detectando el movimiento de un coche autónomo.

¿Y cuál es el principal problema?

El coste. Cada estación de sniffing cuesta unos 450 euros, una cantidad que disuade por completo a las pequeñas empresas que quieran cometer algún tipo de delito, pero, ¿qué pasa con las agencias que tienen esta capacidad económica?

Para quien preparar un batido también es "tener que cocinar".

Ocho meses después de que publicásemos la experiencia de 30 días con Joylent (y sólo con Joylent), y con el conocimiento de que su próximo paso es el formato barrita, conocemos una alternativa que llega directamente en estado sólido. Su nombre es MealSquares, tiene su sede en California (cómo no), y su propósito es el mismo que el de Joylent, Soylent, Queal y demás empresas similares: ofrecer nutrición enteral al alcance de cualquiera, con lo bueno y lo malo que esto conlleva.

El formato exacto de MealSquares es, como su nombre sugiere, comida en forma de cuadrados. Un cuadrado, una ración de 400 calorías. Cinco cuadrados, las 2.000 calorías que un cuerpo "necesita al día". Aquí aprecio el mismo fallo que con Joylent: en su web, donde se compra, habla generalizando de 2.000 calorías como el aporte que un humano necesita al día. Esto es un mero redondeo cómodo: una mujer de 60 años y 55 kg de peso con vida sedentaria no necesita las mismas calorías que un hombre deportista de 25 y 90 kg de peso. En cambio, en ambas webs se generaliza con las 2.000 calorías.

En el apartado nutricional de su web se puede echar un ojo a sus ingredientes y composición, que viene a ser más de lo mismo respecto a alternativas ya vistas. Lo innovador aquí es su formato. Ahora mismo, sólo envían a Estados Unidos, aunque viendo políticas como la que siguió Joylent con los envíos mundiales, o Soylent, que acabó aceptando salir de Estados Unidos, no sería de extrañar que en los próximos meses llegue a Europa. México, mucho más cerca geográficamente, está bastante más lejos a nivel regulatorio y en el caso de Joylent, el pedido no pasa la aduana.

En el blog de Alex Dewey-López podemos ver sus impresiones tras probarlo, así como el aspecto "real" de MealSquares.

Dewey-López

La operadora internacional con sede en Madrid investiga los supuestos problemas de algunos de sus usuarios españoles para conectar con Netflix.

Algunos usuarios de Telefónica en España están haciéndose oír en redes sociales y los propios foros de usuarios de Movistar, comentando que el servicio de vídeo bajo demanda de Netflix no funciona bien en sus hogares.

Tengo Movistar Fibra 300 Mb y he notado que el recién estrenado servicio de Netflix en España funciona extremadamente lento. Sufro continuas subidas y bajadas de bitrate y a penas consigo ver contenido a 1080, además de notable lentitud al cargar y avanzar videos. — Con mi misma cuenta Netflix he probado en conexiones de ONO, ADSL 20 MB, e incluso 4G y funciona perfectamente. — "Sphere" en los foros de Movistar

Es común que diferentes servicios masivos tengan problemas puntuales con diferentes operadoras. En el mes de septiembre, los propios usuarios de Telefónica sufrieron problemas a la hora de descargar aplicaciones de la App Store de iOS debido a problemas de interconexión con Akamai, el servicio de distribución de datos que usa Apple. Y los de Vodafone en España tuvieron problemas para acceder y utilizar FourSquare en febrero de 2014, un mes en el que Telegram también sufría problemas de acceso por parte de otro operador español, en este caso Yoigo.

La calidad del servicio puede variar de hora en hora, y de cliente en cliente, pues puede deberse a una sencilla saturación puntual, en teoría fácil de resolver. O puede necesitar de nuevos acuerdos de peering entre Telefónica y los proveedores de Netflix.

Otra situación común puede ser que parte de los usuarios estén sufriendo malas calidades a través de conexiones WiFi anticuadas, o canales saturados en sus vecindarios, algo que no parece muy probable debido a que son muchos los que reportan problemas utilizando cableado ethernet.

Nos hemos puesto en contacto con Telefónica, que nos ha informado que están activamente investigando la situación. Por su parte Netflix no ha proporcionado una respuesta a la hora de publicar esta entrada. Actualizaremos cuando tengamos más información directa de ambas fuentes.

Organizar la biblioteca fotográfica puede ser algo caótico, pero Lightroom tiene algunas herramientas que nos pueden ayudar.

Una de las supuestas ventajas que tiene la fotografía digital es la de poder realizar tantas imágenes como queramos sin la preocupación de tener un carrete de disparos limitados. Sin embargo, a la hora de introducir la tarjeta SD nos encontramos con cientos de archivos que deben ser organizados si no queremos convertir nuestra galería en un completo caos, ¿cómo hacerlo?

Cada fotógrafo tiene diferentes formas, pero al final lo más importante es que encontremos el método de clasificación que se ajuste a nuestras necesidades. Es decir, aficionado a la fotografía de viajes puede que no necesite la misma organización que alguien dedicado a imágenes de moda. Quizá, al primero le baste con una simple categorización por lugares, mientras que el segundo podría necesitar filtros más concretos, como por ejemplo, en función de la iluminación empleada.

Existen diferentes programas para organizar nuestra biblioteca fotográfica, e incluso hay quienes optar por hacerlo con el propio explorador del sistema, pero particularmente suelo emplear Lightroom como software para esta labor. Así, el programa de Adobe posee algunas herramientas que nos facilitan enormemente el trabajo de organizar grandes cantidades de imágenes. Algunas más conocidas, otras menos, pero todas ellas útiles si no queremos dejar la ropa encima de la silla cada vez que buscamos una nueva prenda en el armario.

Organización de carpetas

Antes de empezar a hablar sobre Lightroom, ¿dónde y cómo guardamos las fotografías? Mi opción es la de tener una carpeta de imágenes en donde almaceno cada sesión del siguiente modo: Año-mes-día “descripción”. Posteriormente, esa carpeta de imágenes es la que se sincronizará en Lightroom con todas y cada una de las que se incluyen en su interior. Prefiero eso a que el programa se inicie cada vez que inserte una tarjeta SD y me obligue a exportarlas desde ahí.

Cambiar nombre de fotografías

Tras exportar todas las imágenes de una sesión de fotos, lo ideal sería que modificásemos su nombre de serie por otro más descriptivo. ¿En qué nos puede ayudar? pues imaginad que en algún momento deseamos buscar las imágenes en nuestro sistema operativo, una tarea bastante complicada si el nombre es algo como _DSC0923. Parece una tontería, pero es más útil de lo que puede parecer.

Para ello, solo tenemos que situarnos en el módulo de biblioteca, seleccionar aquellas imágenes que deseamos cambiar y presionar F2 o ir a Biblioteca – cambiar nombre de fotografía.

Formas de filtrar

Organizar la biblioteca fotográfica, al fin y al cabo, se trata de filtrar nuestras imágenes utilizando diferentes criterios para ello. En Lightroom tenemos diferentes herramientas para ello, cuyas funciones no son otras que las de distinguir y poner un poco de orden ante tanta anarquía:

• Indicación: con ella podemos seleccionar o rechazar rápidamente las imágenes que deseamos. Es muy útil para, de un primer vistazo, descartar aquellas instantáneas que no deseamos tener en nuestro catálogo. Así, podemos ir desplazándonos con las flechas y seleccionando las válidas con la letra P o rechazándolas con la X.

• Etiquetas de color: personalmente, es el que me parece más útil. Podemos utilizar los colores con el significado que nos plazca, lo cual resulta muy adecuado si queremos establecer un patrón de búsqueda basado en una característica concreta. Por ejemplo, alguna vez he empleado el amarillo para fotos que no me terminaban de convencer y el verde para aquellas que consideraba más dignas. Todo depende de nosotros.

• Clasificación: este filtro también se puede emplear para lo mismo comenté en el apartado anterior, solo que en esta ocasión son estrellas en lugar de colores. Cuestión de gustos.

• Palabras clave: con las formas de filtrar mencionadas anteriormente ya suele ser suficiente para la gran mayoría, pero hay quienes pueden necesitar algo más específico. Aquí es donde entran en juego las palabras claves, las cuales son útiles para etiquetar nuestra imagen con una palabra concreta y filtrarla con respecto a otras. Es un trabajo algo arduo y demasiado mecánico, pero al terminar nos aseguramos de tener los mejores y más concretos filtros posibles.

Una herramienta útil para hacer todo esto rápida es la del bote de pintura (o spray), el cual podemos cargarlo con los ajustes que deseemos y copiarlos en la foto que deseemos con un solo click.

Colección inteligente

Las colecciones de Lightroom son muy adecuadas para organizar la biblioteca fotográfica, pero las colecciones inteligentes creo que son una opción mucho mejor. A grandes rasgos, se trata de una galería en donde sólo se mostrarán las imágenes que tengan unas características determinadas, aquellas que nosotros escojamos. Imaginad que, por ejemplo, queremos todas las fotos en la que aparezca la palabra clave “mesa” y que además tenga la etiqueta “verde”. Asimismo, en esa colección se van añadiendo todas las futuras instantáneas que posean dichas cualidades de un modo automático.